[摘要] 在主流美术史研究中有主张现代美术的开端是印象主义的，也有认为是后印象主义的，可谓模棱两可，悬而未决。确立现代美术的开端必须将开端的概念至于哲学的和历史学的角度进行分析。因此，孕育现代美术的种子，并事实上成为古典美术走向现代美术分水岭的法国新古典主义美术应该被确立为现代美术的开端。
[关键词] 新古典主义 浪漫主义 现代美术
抛开时间的划分方式，就本质而言，目前美术史对现代美术开端的表述是模棱两可的。首先，权威教科书普遍认为“自印象主义崛起，欧洲艺术的现代风采方见端倪。”原因是“从这时期起，艺术从内容到形式的变革，跳跃的幅度越来越大，革新的锋芒越来越鲜明，从而引发了20世纪对传统艺术的全面突破，出现崭新的面貌……”[1]
同时，后印象主义画家塞尚是“现代绘画之父”已经成为了常识，因为他“对物体体积感的追求和表现，为‘立体派’开启了不少思路，其独特的主观色彩大大区别于强调客观色彩感觉的大部分画家。”据此塞尚俨然成为绘画的先行者。
后印象主义与印象主义是“相左”的两种艺术潮流，因此林风眠将它翻译成“反印象主义”。这就产生了一个矛盾，现代有两个不同主张的开端。而且，从逻辑上讲，无论是印象主义亦或是后印象主义，都是对“传统”反叛的产物，他们所解决的问题如“艺术语言自身的价值”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”等观念几乎是所谓的西方现代美术流派如野兽派、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术等的基本任务，这也是浪漫主义、现实主义正在着力解决的普遍性问题。
因此，我们要问，现代美术的开端到底在哪里？谁才有资格担当这个历史的、学术的重任呢？“现代美术的开端”意味着“传统”与“现代”的冲突，是历史的拐点，是矛盾斗争的顶点，也即我们通常所说的质变的临界点。马克思认为：质变是事物根本性质的变化，是事物从一种状态向另一种状态飞跃。那么现代美术以反传统自居，其开端自然要推理到“传统”的顶点。
整个绘画史表明，美术一直处于不停的完善之中。黑格尔曾将世界艺术划分为三种类型：象征型、古典型、浪漫型。[2]尽管他的讨论是形而上的，与现实的美术流派之间没有对应，但其对三种形态的艺术的普遍理念和感性形象，即精神和形式的统一与否的探讨，为我们提供了思路。黑格尔认为“古典型艺术，是人类第一次完美的艺术，理想找到了现实的表达通道。”
美术史表明，对历史潮流采取吸收升华态度的新古典主义是“传统”在19世纪达到的巅峰。说新古典主义是“传统”的巅峰，是因为其吸收总结了过去时代人类造型经验的结晶，融合成完美的“典范”。首先，它集成了古希腊、古罗马、文艺复兴的经验，将透视、解剖、明暗、造型等绘画技法作为重要的表现手段，并将真实的“再现”当作基本目标。第二，批判继承发展了17世纪古典主义所崇尚的规则、秩序、均衡、典雅，通过大卫、热拉尔、勒布伦夫人、格罗、安格尔等多位大师的努力，实现了温克尔曼“高贵的单纯与伟大的静穆”的美学宏愿，也确立了壁垒森严的范式。
另外，新古典主义是“传统”的巅峰表明，其对传统造型的手段驾轻就熟。那种认为大卫和安格尔不重视色彩的观点是偏颇的，只要看一看他们的画就明白他们是色彩的大师。H.H.阿纳森说“虽然大卫是一个极为善于运用色彩的画家，但是……他倾向于使他的色彩服从于古典的观念。与大卫相反，安格尔把古典的明晰和浪漫的美感结合起来了，使用的是一块既辉煌又雅致的调色板。”[3]为什么后来的流派都要求色彩呢，其实就是反对新古典主义借助学院的威权确立的规范。所以，一直美术史教学都有一个误读，认为古典主义的色彩能力弱，殊不知安格尔和德拉克洛瓦德素描和色彩之争焦点在规则，而非方法！
既然新古典主义是集大成的流派，他能启发后面流派的“”吗？众所周知，现代美术就是一场大大小小的“”思维串联起的历史，否定之否定原理的表演场，思维原理片段化、发散化的艺术实践。“”的动力和示范效应就来自新古典主义，这是历史造就的。
首先是启蒙运动的冲击，在法国，由于社会、政治和教会的压迫，启蒙运动表现得极为激烈，影响也大。新思想的传播导致，尊重人类理性和几乎是一切近代哲学思想的特征，天赋、自由、平等、博爱在18世纪耳熟能详。新古典主义美术正是在这种社会形式中发展起来的。随着资产阶级力量的壮大，向封建阶级夺权的呼声上升，他们需要一种足以鼓舞自己的高大形象来促进的成功，用以排除罗可可艺术所造成的萎靡胭脂味。因此，新古典主义代表着一股借复古以开今的潮流，并标志着一种新的美学观念。大卫的《荷拉斯兄弟之誓》、《苏格拉底之死》看起来是古典主义血脉的延续，其实它的精神是和阶级社会变革连在一起，是封建时代的丧钟。
17年法国大以及其后的复辟和反复辟的斗争，1831年和1848年的资产阶级，新古典主义经历了19世纪欧洲伟大的社会变革的历练，大卫本人的命运也在反复斗争中浮沉。新古典主义美术由大卫到安格尔是一个转折，在内容上由的、与时代相关的事件转向了脱离现实的神话和纯艺术的表现；在形式上由严格的古典主义风格走向了带有华丽东方色彩的古典主义。同时，质疑权威、质疑规范的种子就在新古典主义操纵的学院派中滋生。1830年代，浪漫主义声名鹊起，几乎大部分浪漫派的重要的画家都出自于古典的阵营，是古典派大师的学生，几乎都没有例外的出自学院。甚至新古典主义大师安格尔晚年也倾向异域情调，并注重官能性的表现，也构成浪漫主义美术的先驱。
而浪漫主义美术产生于大失败以后的波旁王朝复辟时期，人们对启蒙运动宣扬的理性王国越来越感到失望，一些知识分子感到苦闷，他们反对权威、传统和古典模式。他们提倡注重艺术家的主观性和自我表现，以民族奋斗的历史事件和壮美的自然为素材，抒发对理想世界的追求，以瑰丽的想象，夸张的手法塑造形象，表现激烈奔放的感情。
于是新古典主义和浪漫主义的对抗戏剧性的产生了，这为现代美术理念的产生提供了现实的和理论的温床，即了艺术家的个性，也在权威的演示中将艺术得以蜕变的因素一一提出。
第一个问题是理性与感性的现实矛盾。古典跟浪漫这两种概念亘古以来就存在，古典是一种追求真理的态度，是一种倾向理性的追求。但是19世纪开始认为那种永恒的真理是不可能实现的，只有当下感受到的情感是真切的，必需把它充分的发挥出来。因此，在题材选择上，一个讲究和谐与崇高感，一个偏爱冲突与争议性。具体而言，古典画家希望藉用古代已经有的某种典型来表达他们对现世的诠释。而浪漫派的画家则倾向个性的发挥与夸大情感的表达，他们偏好描绘当时的新闻事件而舍弃历史记载的叙述，以至于像船难、西奥小岛上的希腊与土耳其民族的这种骇人的新闻、七月等，都被积极地搬上画面。
第二个问题就是色彩与素描之争，其实就是造型观念和手段之争。新古典主义用自己的威权唤起了人们对画面本体的重视。色彩和素描所包含的造型要素被后起之秀解析。。”[4]另一方面新古典主义对色彩的克制，遭到浪漫主义和现实主义的炮轰，推动印象主义发现了“光谱式的色彩”，“他们企图摧毁存在于三度空间中的三度实体，去重新创造在有限深度以内起作用的色彩形式的固体和间隔”。[5]直至蒙德里安和康定斯基的冷热抽象。
第三个问题是画面空间表达的问题。新古典主义画家大卫对文艺复兴以来的“透视消退法”形成的画面空间尝试“严格”。他认为“绘画是古典浮雕的变体”，因此运用“实墙、中间色背景或不透明的阴影这一类的东西，来封住画面深度。”这种探索，H.H.阿纳森认为可能“在最终导致20世纪抽象艺术倾向中起了决定性的作用，这种看法是可以争论的。”[6]
结语
自新古典主义达到“传统”的巅峰，艺术的曲线在此发生转折。重温19世纪那个艺术的分水岭间隔的两端，新古典主义以及站在其对立面的浪漫主义艺术家，形式上互斥，实质上互补地共同构成了19世纪现代美术的精采开场白。“古典的一侧引出了立体主义和抽象主义；浪漫的一侧导致了象征主义、表现主义、超现实主义以及抽象表现主义。”[7]
现代美术、后现代美术的发展，诚如黑格尔所言。他认为古典型艺术的局限性是依靠外在的感性材料去表现在本质上无限的普遍性，即心，这在理论上是无法完成的。于是他让浪漫性艺术区取消了古典型艺术不可的统一。但是，“感性现象就沦为没有价值的东西了”。[8]目前现代美术的发展处于一种价值迟滞迷失的状态，艺术家关心的要么是技巧、形式，要么是高韬的艺术理念。确立现代美术的开端，也就是要找到人类美术精神和内容分离分化的分水岭，追寻美术本质的原点，为美术精神的回归做理论的铺垫。
参考文献
[1] 《外国美术简史》（增订本）[M]美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室编著，中国青年出版社2007年3月第一次印刷，169页。
关键词：艺术收藏；资产阶级新贵；艺术中心；转移
在影片开始后不久，一批现代主义作品便清晰地展现在我们眼前，当时，女主角Rose和女仆一起整理行装中的绘画，而这些画作显然出自雷诺阿、莫奈、毕加索这些现代主义大师之手。随着剧情的展开，一些有关于现代主义的理念开始频频出现，Rose在言谈中随口引用弗洛伊德的话，牧师在倾斜的甲板上为人们祷告，圣象四角僵直的遭受灭顶之灾，暗含着上帝死了这样老生常谈的现代主义箴言……一组组相对简短的镜头却可以给我们一个关于现代主义艺术自欧洲向美国传播、扩展、转移的真实历史过程的启发。
事实上，欧洲现代绘画及其所代表的现代艺术观念直到二十世纪初期才传入美国 。1913年，“军械库艺术展”引起了轩然大波，展览前，美国人所能接受的最前卫的欧洲艺术只到印象派为止，而在这个展览之后，他们一下子把收藏作品的年代提到当前，立刻就开始动手收购当代欧洲艺术家的作品。这次展览可以说对美国现代艺术发展史产生了非常深远的影响，以至半个世纪后，美国现代诗人威廉·卡洛斯·威廉斯仍感慨万千的写到：“五十年前，著名的军械库艺术展震惊了纽约人，使他们意识到并亲眼看到，当艺术世界正在进行一场之时，他们自己的世界仍在沉睡。可是，直到看到杜尚的《下楼梯的裸女》，我才如释重负地大笑起来。我感到千斤重担已经卸去，对此我感激不尽。”此后，短短数年，大批欧洲现代艺术作品进入美国。纽约逐渐发展成为与巴黎比肩的现代艺术重镇。
不难发现，在这一历史演变中存在着不可忽视的功臣，那就是一大批的艺术收藏家。他们并非出自贵族世家，而是所谓的New Money，即资产阶级新富（布朗太太），他们中相当一部分涉足艺术收藏，这也是美国当今博物馆有数量惊人的欧洲艺术精品的原因之一。 而这些美国的资产阶级新贵之所以能够收集大量的艺术作品，在现代主义艺术中心向美国转移的历史进程中发挥如此重要的作用，原因可以从内、外两反面来分析。
从外部条件来看，首先，这些资产阶级新贵有的支持。伴随美国综合国力的增强，文化成为国家威望的象征。为树立国际形象，成就文化大国的梦想，在 20 世纪初期实行了两项财政：免除所有外国艺术品进口税和国家财政补贴艺术机构，此举激发了美国富豪建立艺术博物馆的热情。现代艺术的庇护所—纽约现代艺术馆、惠特尼美国艺术博物馆应运而生，它们传播、展示现代艺术，成为美国现代艺术的先锋场所。
其次，二次大战使欧洲国家的经济几乎处于崩溃边缘，“在法国，尽管社会政治生活没有崩溃到像德国那样，但社会经济严重倒退，出现了严重的通货膨胀现象。”而当欧洲还弥漫在战火的硝烟中时，美国却因两次世界大战获得暴利，工业产量跃居全球第一位。这些资产阶级新贵抓住机遇获得巨额财富，为购买收藏艺术品奠定了基础。
从内部的影响因素来看。首先，不排除其附庸风雅的企图，在获得大量财富之后，资产阶级新贵们往往会积极融入上流社会，并购置一些艺术品来彰显自身品味。不过，他们较之于旧贵族来说，举止上不那么装腔作势，思想上也不那么因循守旧，容易接受新事物。这就使得作为一个整体的资产阶级对于怪异的现代艺术采取了一种较为宽容的态度。
此外，这些资产阶级新贵与现代主义艺术之间存在着某种内在的亲和性。从创作内容来看，机器工业、现代城市开始进入现代艺术的表现领域。飞机，汽车、甚至于机器厂房都成会绘画的表现主题。而且，当现代艺术家力图拓展其表现手段时，机器与技术的发展显然赋予他们深刻的启示。这特别表现在现代艺术家对于时间和空间的全新认识和感受上，从名字就可以看的出来，比如光线主义、立体主义。除此之外，更为重要的一点是，现代主义艺术家与这些资产阶级新贵在某一时期有着相对一致的内在精神。在泰坦尼克时代，人们从大机器生产时代感受到了一种乐观向上的精神，影片中，从设计师到船长乃至普通乘客，无不为泰坦尼克的雄伟而骄傲。就像当时站在船头大声喊着“I am the king of the world”的Jack一样，面对着技术、工业的迅猛发展，很多艺术家都曾经产生过一种激扬飞跃的感觉。这种对大机器时代的肯定也使得以此为内容的现代主义艺术与资产阶级新贵产生共鸣，他们正是在机器工业时代积累大量财富，跻身贵族行列，因此，对于这类作品很容易产生强烈的认同，在一定程度上助长了他们收藏现代主义艺术作品的热情。
可见，《泰坦尼克》不仅创造了商业电影的奇迹，也用一组组简单的片段让我们回想起那段艺术中心转移的历史，促使我们去探究其身后宏大复杂的背景，从而在为过去唏嘘感叹之际获得对于未来的些许启示。
参考文献：
[1]宋全城.欧洲移民研究[M].山东大学出版社，2007 .
[2]王瑞芸.美国美术史话[M].人民美术出版社，1998 .
[3]余丁.美国现代艺术的市场与收藏[M].中国美术馆，2007.
关键词:戏仿 存在主义哲学
中图分类号:J6 文献标识码:A 文章编号:1672-3791(2012)05(c)-0246-01
戏仿是后现代主义文学创作的重要手法之一。这是一种最具意图性和分析性的文学手法。这种手法通过具有破坏性的模仿,着力突出其模仿对象的弱点、矫饰和自我意识的缺乏。。其标志是文学上、结构上或者主题的不符”。戏仿“夸大种种特征,它把不同的文体并置在一起,使用一种体裁的技巧去表现通常与另一种体裁相连的内容”[1]戏仿的功能就是讽刺。巴思在《路的尽头》中运用戏仿这一手法冷嘲热讽了20世纪50年代在美国正风靡一时、炙手可热的存在主义哲学,并创作出这样一部富有独创性的作品。
进入了20世纪50年代以来,美国出现了最适于存在主义这种充满着悲观绝望、颓废情调的哲学生长的良好条件。存在主义不仅限于哲学领域,也像欧洲一样渗入文学、艺术、社会学、道德、教育、宗教等意识形态和社会生活的各个方面及各种群众运动中。存在主义表现为资本主义全面危机时期人们心理上的紊乱和对新的出路的寻求。存在主义哲学把个人的存在作为研究对象,特别指孤独的个人同自身的关系,他得自我表现感;指孤独人的非理性的情绪体验。存在主义哲学思想大师萨特从现象学一元论出发,划分了两个存在范畴:自在的存在和自为的存在。自在指客观存在,它纯粹地无条件地存在着,它是偶然的、不可思议的,是一个巨大的虚无;自为是指人的意识、人的自我表现,它纯粹是预谋和意向。它处在永恒的流动变化之中,不断地否定着自己,并通过否定和虚无把自己展示为世界。自在和自为相互依存,是不可分的。萨特根据自为存在的特征引出了“存在先于本质”的“存在主义的第一原理”。萨特认为,在一定条件下人可以在面临的好几种可能发展道路中进行自由选择,这种选择的后果就是他的本质。“存在先于本质”不是通过一次选择,而是通过不断的选择来完成的。存在就是要不断超越现存状况,人之所以得以存在,正是通过自由实现超存在[2]。
法国哲学家、小说家兼剧作家萨特曾用小说,如《自由之路》等用来阐释他的存在主义哲学思想。巴思戏仿萨特,也用小说《路的尽头》以“神话疗法”的失败来嘲讽当时在美国正时髦的存在主义哲学。小说的主人公雅各布·霍纳(Jacob Horner)是一位年轻的大学生,他的问题是不能确定目标和方向。他发现可行性选择太多了,但他却找不到一个有吸引他的特殊选择。在一次采访中,巴思说杰克·霍纳(Jake Horner)的名字同时取自摇篮曲(Jack Horner,《杰克·霍纳》)和使人带绿帽子习俗(“horns”)[3]。其名字意义的不确定和动机与方向的缺乏,暗示杰克(即雅各布)没有个性或没有目的。杰克的医生建议他做教师,教授规范语法。杰克遵从了医生的建议,成了一名语法教师,此间,他又成了另一位教师乔·摩根的好友且又卷入与朋友之妻伦尼的三角关系之中。导致伦尼在做流产过程中死于手术台上。死亡的事实使杰克彻底剥去了他的各种面具,又恢复了他的“绝对不动”状态。
雅各布·霍纳有麻痹症史。他看不到生活中的价值,于是“选择了绝对不动”。这时他遇上了一位专治麻痹症的黑人医生。医生对雅各布的病情作了“存在主义哲学”分析。他认为雅各布的病症是“在许多情况下不能做出选择”。
这俨然是萨特在阐述“存在先于本质”的原理。当“病人”杰克问“为什么人人都得选择行动”时,这位庸医运用存在主义哲学原理,作了一个荒谬的回答:“不为什么！不选择行动也不为什么。一个人成了病人那只是由于他选择了一种只有通过治疗才能获得的存在方式……一段时间内我的所有的治疗就是要使你意识到自己的存在……”按照医生的逻辑,仿佛生病也是人为了实现本质的一种选择。这位庸医建议杰克去“读萨特,作个存在主义者”、“这能使你不断活动”。医生把萨特的存在主义哲学作为他的治疗方法之一,名曰“神话疗法”。何为“神话”？神话就是幻想和虚构。这位庸医倒是有力地揭示了存在主义哲学主观唯心主义的本质。
接下来,医生解释“神话疗法”——存在主义哲学。萨特认为,“任何结果都是人的自由选择的结果,自由选择可以改变过去,甚至通过自由选择,懦夫可以变成英雄,英雄可以变成懦夫,关键在于你的选择”。[4]根据这一原理,医生建议杰克,“在实际生活中,一定要演主角”。医生指出:“这种角色分配就是制造神话;当他有意无意地用于提高自我或保护自我—可能始终是这个目的—这就成了神话疗法”。医生让杰克“诚心诚意地去学习如何戴上面具,”因为“自我意味着我,我就意为着自我,自我的定义就是个面具。哪儿没有自我—哪儿就没有我”。杰克立即将其付诸实践。
因为杰克不相信真正的自我,他喜欢扮演不同的角色。同时他想扮演上帝,因为他说:“生活中人们时刻都在充当导演,若能意识到自己的角色分配充其量是对演员个性无端的曲解,这个导演就是明智的”。杰克把明智的角色留给自己,把次要的角色留给他人,以此给他们的“本质”贴上了标签。这种贴标签做法最终把杰克带到了灾难的边缘,在伦尼死后,这种贴标签做法又把它送回了医院。因为他被对伦尼之死负有的责任弄的完全麻痹。但是杰克在“选择行动”的过程中却没有意识到,他对伦尼的行为要负有责任,他虽然反复强调“我渴望承担责任”,但他所做的一切努力还都是要从责任重压之下解脱出来,而且最后他成功了:“我已经不用去承担社会责任了。伦尼已经入土了。我仍然在工作,而且名声丝毫未损,但是乔失业了”。他不能不感到这“太丑恶了”。这就是杰克“自由选择”之后的结果。使杰克意识到:“神话疗法变得越来越不适用。因为人们不得不承认他们所承担的一切角色都是苍白无力的。存在不仅先于本质;就人类的情况来说,有存在未必有本质。一旦某人非常了解另一人并抱有各种与他相左的看法,神话疗法便彻底没戏了”。巴思也就此否定了存在主义。
参考文献
[1] Ibid,31.
关键词：表现主义；呐喊；情感；心灵；映射
1 现代主义美术繁荣发展
二十世纪以来，欧洲各个国家的艺术大都呈现出一种繁纷复杂、自由、开放的思潮，各种各样狂放的、惊人的艺术理论应运而生，传统的文化观念在这样的情况下被彻底冲垮。然而美术史上经历了这一系列的创造性之后，出现了各种各样不同的流派，主要有野兽派、表现主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义、抽象主义、巴黎画派、包豪斯、抽象表现主义、极少主义、波普艺术、概念艺术、活动艺术、大地艺术等，人们通常将其称之为现代主义美术，现代主义美术与我们所熟识的传统美术分道扬镳，这些狂放不羁的文艺流派和复杂的艺术风格剧烈地冲击着传统主义艺术的固定模式。《呐喊》、《日出印象》、《拾穗》等画作渐渐地被人们所熟识和惊艳，在这些画中，画家根据自己的主观感受和情感宣泄，运用隐喻或象征的手法，取代了生活现象的客观再现，表现了自己无以言表的心理变化，宣扬了自己的人格和个人创造性，破坏了既有的传统经典规范。也可以这么说，现代主义美术是以各种奇怪的、独特的想法和多种多样的技术手法来表现现代人的生命体验以及观念，它跟我们熟悉的传统艺术是不同的，没有传统艺术所特有的“规矩”。
2 现代主义美术之表现主义
现代主义美术有众多的流派，都各具特色。野兽主义笔触造型粗放有力，立体主义追求几何形体的美，未来主义号召新的生存条件。现代主义艺术之一的表现主义，是我所欣赏的艺术。表现主义的艺术家们反对机械地模仿客观现实，主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性。[1] 它主要强调表现艺术家的自我感受和主观情感，对于客观事物进行变形、处理，通常用以发泄画家内心的苦闷，已达到情感宣泄的目的。表现主义涉及了文化艺术多个领域，表现主义思潮在欧洲各国都得到了发展，在德国，表现主义是一个比较复杂的流派，除了艺术思潮外，还有不同的政治倾向和思想倾向，创造了别具一格的独特的艺术语言。
3 爱德华・蒙克与《呐喊》
爱德华・蒙克（Edvard Munch，18631944），著名的挪威画家，是二十世纪表现主义美术的先驱者。童年的不幸给他的心灵上带来了很大的影响，以至于他的绘画都带有强烈的悲伤、压抑的情调，多表现疾病、死亡等主题。他在忧郁、悲伤和惊恐的精神状态下，以扭曲的曲线和恐怖的色彩来表现他眼中的悲惨人生。蒙克的作品大多表现人们内心世界的痛苦和欢乐，他非常努力的寻找着自己特殊的绘画语言表达方式，并由此受到了众多画家以及欣赏者的追捧。油画《呐喊》，是他重要代表作品之一，主要刻画人对孤独与死亡的恐惧感。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，建立了一个恐惧的人物形象，主要描绘了一个像骷髅一样变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独、痛苦和苦闷，以及把那种无限的恐惧之情，表现得淋漓尽致。任何人看这幅画都会被震撼，那深刻的人物形象、浓重的色彩以及特殊的构图都无不深深的吸引着观赏者。。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。
4 《呐喊》与心灵的映射
第一次看这幅画，画面的骷髅形象使人毛骨悚然，但是这幅画却不自觉的让我想继续看下去。。他似乎正从我们身边走过但却又好像要停留下来，他向边上看去，后边有两个远去的行人，两只小船和红色的落日。他捂着耳朵，几乎不想听见那两个行人的脚步声，也看不见远方的船和红色的落日，天空中红色的波浪像血一样，仿佛要吞噬自己，整个画面都像在流血一样。那两个人物是否是蒙克心中的母亲和姐姐呢？我们都知道，母亲和姐姐的死亡带给了蒙克沉重的打击，这捂着耳朵的人物就好像是蒙克自己，远去的母亲和姐姐一直是心中永远的痛，他不愿意接受她们死亡的事实。蒙克后来在谈及此画时说过，黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌，带给自己不安和颤抖，感到了自然强烈的呐喊和那紧紧缠绕他的孤独。
在这幅画上，蒙克所用的色彩与真实的大自然色彩保持着一定程度的关联。蓝色的水、棕色的地板、绿色的树木以及红黄色的天空，都描绘的非常夸张，具有丰富的表现性，也没有失去其色彩大致的真实性。整幅画面在色彩的运用上十分独到，画面色彩是浓重而郁闷的，天空中浓重的血红色给人带来不安，悬浮在地平线上方，并且多用曲线描绘，给人以不祥的预感。海水是由沉闷的蓝色、阴暗的紫色混合而成，越向远处越显得阴沉不安。同样的绿灰色，重复出现在中间呐喊的孤独者的衣服上。孤独者的手和头部，则主要以苍白、惨淡的棕灰色为主，画中没有一处不充满动荡感。天空的曲线与水流的曲线不停地扭动着，呐喊者边上是桥面上笔直的栏杆，一直延伸向院方，桥的粗壮挺直的斜线与天空海水扭曲的曲线形式鲜明的对比，笔直的桥架在扭曲的海水之上，似乎就要被海水淹没，这一切都使人产生思考。整个画面构图充满粗犷、不安和强烈的因素。所有的一切都被那一声刺耳尖叫声影响着，画家在这里用各种不安的因素表达自己的感受，把凄惨的尖叫和扭曲的曲线混合在一起。蒙克的画是用整个心灵来创作的。这就是《呐喊》，一个能够震撼你心灵的画面，一幅能在你的心灵中映射的画面，一个惊艳了太多人的画面。
除了《呐喊》，蒙克的《生命的舞蹈》、《青春期》，诺尔德的《圣灵降临》，康定斯基的《几个圆圈》等等都是表现主义绘画的代表作。[2] 在现代主义绘画中，画面往往更多的是展现画家自己的感受、情感以及心理的变化，他们在创造一幅幅画的时候，并没有遵循最初的绘画原则，摈弃了那一条条循规蹈矩的概念，就像呐喊一样，释放自己，追求无限的现代主义元素。
5 结束语
一位艺术家在创作一幅作品时，其创作情感的流露与宣泄是至关重要的，在选好一个题材之后，能否将自己的情感表达进去，便正是这幅作品是否有生气和灵性的关键所在。。伟大的艺术作品不是偶然产生的，都是艺术家根据自己思维的变化、思想观念和情感的宣泄而呕心沥血的结晶，他们体验生活，认真深思，用简洁、严谨、明晰、理智的表现手法以及运用深入、具体、真实的作画语言再现他们的内心感受和对人生生活的观点主张，将一幅幅生动逼真的画面呈现在人们的面前，影响着一批批热爱艺术为之奉献的人。。
参考文献：
[1]外国美术史教研室.外国美术简史[M].中国青年出版社，2007.
[2] 王译敏.外国美术鉴赏[M].上海人民美术出版社，2009.
[3] 王宏建.艺术概论[M].文化艺术出版社，2000.
[4] 邹文.美术社会观[M].中国人民大学出版社，2005.
关键词：绘画形式； 现代主义； 西方艺术
中图分类号：J202 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）29-0067-01
我们学习西方的绘画艺术，就要深入了解西方绘画的形式语言。我们要了解绘画的风格等等。在众多西方绘画流派中，现代主义绘画室极具研究性的。
现代主义一般可以追溯到法国的印象主义。十九世纪八十年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义的画家们提出了“艺术语言自身的价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等等观念，这些都构成了现代主义美术体系的理论基础。
现代主义艺术形成了与以往任何时期都完全不同的艺术观念、思维和形式。艺术自此发生了翻天覆地的变化。艺术中存在的写实性、唯美性、叙述性和传统的美学观念被，而其非写实性、反唯美性、非叙述性已经成为有目共睹的现代艺术的主流内容。；凡高用色彩和形状表达自己对所画东西的感觉和希望别人产生的感觉，他的办法导向主要在德国引起反响的表现主义；高更向往获得一种抛弃西方传统的习惯势力、回到史前人类和野人的真理中去的一种表达方式，他的办法导向各种形式的原始主义。总之，他们都有意识地抛弃“模仿自然”的绘画目标。今天，我们所称的现代艺术就萌芽于这各种各样的向往和他们的不满足之中。
我们看到，现代主义美术自19世纪末20世纪初出现在西方文化舞台上之后，就一直以一种性的姿态，不断地突破传统的艺术体系和美学规范。艺术家们试图原有“艺术”的定义，把各种新的观念、形式和材料艺纳入到艺术表达的范畴之内。有人总结出四个字：“主观表现”。然而大多数人却全然无法喜欢现代主义的艺术，因为一般说来，大部分的人都是循规蹈矩的；现代主义艺术扰乱了他们的传统感和安全感。而正如我们所看到的，现代主义艺术，它以表达主观性、紧张感和危机感而真正开始。就像有人所说：“现代艺术很快就会过时”！事实上，这是它的显著特点之一。它仅“代表它的时代”，这一事实反而增加了它的价值。换言之，艺术总是现代的。它总是表现和反映当时社会的人、事、物以及更为重要的意识层面！
西方现代主义艺术运动迭起、流派纷呈，从宣言到行动无不标新立异。这刺激了人们的想象，更加活跃了人们的思维。印象派的出现则是西方艺术划时代的里程碑。为了表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，它忽视或否定了客观事物的内在本质，更是破坏或放弃了西方几千年完善起来的严谨造型，因此衍生出后来一系列的反叛画家、画派。首先起来与传统决裂的是塞尚，他要创造一种绝对的绘画，它不再是客观事物的模仿，而是注入画家主观解释的永恒性的形体和坚实的结构。同时还有画家高更，他从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画。而凡・高用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽热的思想，他们共同开创了西方现代美术之先河。从他们的理论派生出尔后的众多现代主义艺术流派。
追根究底，现代主义艺术是给予我们很多，它赐予我们许多艺术上的宝贵财富，是值得我们去仔细探究的！
西方传统绘画源自“摹仿说”理论，它以“写实”为主，强调真实地描绘自然界的物象，以达到“镜象”一般的真实。
西方的现代主义艺术从传统绘画的再现客观世界转变为表现主观世界。画家不再以画得与客观世界逼真肖似为目的，而是以被描绘的对象为媒介，表现自己的情感、观念、思想等主观世界，将客观对象按照主观意图进行变形或抽象化处理。“绘画艺术已偏重于表现人们的主观情感世界，而不再拘泥于再现客观自然世界”。可以说是在强调下意识或无意识的艺术。
所以我们欣赏西方现代主义绘画作品时，重要的是不在于弄明白画家描绘的是一件什么具象的东西，而是在于去体会画家所要表达的情感、观念和思想以及自己内心的感受。中国的国画大家齐白石老人说过:“似与不似之间”。 总之我们在欣赏现代主义绘画时，必须树立全新的艺术观念，不能把像与不像、看懂与看不懂作为欣赏的标准，而是要掌握现代主义绘画的本质特征，才能使自己的欣赏水平提升到一个较高的层次。
西方的现代艺术观念对世界范围内的艺术都产生了重大的影响。对于世界各个国家的艺术发展都有着不可替代的作用。。”
关键词：高校；美术教育；美感教育；情操教育；回归本题
一、目前高校美术教育存在的问题
社会的发展带动经济的繁荣，也带动了中国艺术市场的繁荣，艺术作品的艺术价值转变为经济价值，近乎天价的作品成交价，使人们对绘画本体的审美感知能力被冲乱了，价值观的混乱和文化标准的缺失，导致了高校美术专业学生审美价值观的混乱，无数青年人开始梦想自己的成功，一边是金钱的诱惑，一边是艺术表现真实的自我，真诚表现生活的要求，因而陷入了迷茫。
二、新时期高校美术教育改革的主要内容
正如前面所说的，无论从社会的角度还是从艺术发展的角度看，高校美术课程变革迫在眉睫。那么，究竟应如何改？
首先，应该认清美术教育的责任。作为以培养想象力和创造力为主要功能的审美教育，已成为发展现代生产力的重要因素，并引起人们的高度重视。高校的艺术教育专业，在开展教育教学实践活动中，不仅要通过专业实践教学，达到对学生想象力和创造力的培养，更要通过大量的先进文化理论、审美理论、教育理论和艺术实践类课程的教学实践，达到对学生创作能力的培养，只有这样，才能培养出真正具有审美和创新能力的艺术人才。因此，高校作为高素质艺术创新人才的培养重地，要研究和健全美术教育的教学体系，加强美与美育的教育教学，尽快使下一代具备较强的审美鉴别和批判能力，不再陷入误区，真正发挥出他们的创造力，使之转化为有效的先进生产力，这是我们的责任。这意味着，我们再不能只重视技法，应力求在教学中渗入相当的美学理论，提高学生的综合美术素质，并可以与其他人文知识的渗透，构建跨学科的新型课程体系，将艺术性与人文性相融合。
其次，高校美术教育应明确自己的教学目的。先生早就提出美的教育不同于知识的计较，而在于感情的陶冶和养成，包括三个方面的内容：一是审美形态的教育，主要培养人对客观物体（艺术作品的心态、风格、形式）美的形态和结构的鉴赏、识别和把握能力；二是美感教育，主要培养人健全的审美心理结构；三是情操教育，培养人高尚的情操，完善的人格，并使发展的个性与其所属的社会团体有机协调。高校美术教育应通过课程结构、教学内容、教学方法把三个层面整合起来，构建自己的教学模式。具体做法如下：（1）优化组合课程。。。（2）加强教育性。首先，学校应该培养、选拔青年一代学科带头人，发挥中年教师思路开阔、精力旺盛的中坚作用，发挥青年教师实践能力强、后劲足的特点，充分发挥其担当创作、科研重任的作用。其次，注重教学的互动，教师与学生、学生与学生主体之间，保持有效的互动，才能在美术教学中，超越个体建构的局限性，达到良好的教学效果。
最后，也是最重要的一点，要在美术教学中增加现代主义美术教育内容。现代艺术流派，与其说它们创造了某种艺术风格或技术，还不如说，它们创造了一种新的艺术观念，或拓展了一种新的艺术视野，它们用独特的艺术表达方式，传达它们对社会、人生和自然的看法。现代美术中，许多作品重在主观意识的表达，晦涩难懂的作品也常有。对这些作品做透彻的分析和讲解，有助于帮助学生认清现代艺术的本质。我们不必去完全认同一切现当代艺术流派的价值取向，但是现代主义美术的创造力和想象力及现代艺术作品中的创新精神，正是现在我们的学生所缺乏的东西。我们必须承认，艺术发展到今天，其“画地为牢”的疆界已被打破，并且与其他学科有了一种更为深入的融合，或者说艺术的文化性和精神性特质更为凸显。通过对现代美术作品的分析，我们可以引导学生展开想象，想象画家表现的情绪，运用和锻炼发散性思维， 以多角度去理解现代主义美术的核心思想。通过现代艺术形式和其他艺术形式相比较、相沟通，可以使学生明白，传统艺术与现代艺术、中国艺术与西方艺术是相辅相成的。使学生认识到大学本科学习的必要性，一定要掌握对于艺术家在大学本科这个成长时段必须获得的东西，特别是基础方面的、眼前未必马上用得上、从长远看却不能缺的那些东西。要成为一个艺术家，一定要有扎实的专业基础和文化基础，东方和西方、传统和现代的有关知识都要有较系统的了解，而本科教育正是为学生将来自身艺术的发展，在基础方面做准备。
三、新时期高校美术教育改革的措施
简而言之，我国高校美术教育专业因历史原因，在今天的院校教育中，仍然以精英型人才培养模式进行，教学形式单一，教学内容以技能训练为主，力求达到以技能求审美这一培养目标。然而，在物质文明不断提高的当今社会里，其培养目标的矛盾日益突出，原有概念开始显得混淆，而普及公民的美育教育呼声却越来越清晰，但是大多数高校美术教育，在实践上仍然很大程度地停留或侧重于第一个层面，而在教学中直接表现为“技术至上”，所以很难具备审美文化教育特征。
。第二，多元化培养社会所需的美术人才，无论是艺术院校办的美术教育专业，或者是综合大学办的美术教育专业，甚至是民办高校办的美术教育专业，因其背景、优势的不同而会各有特色，所以，教育者应在不同的办学模式中，有计划有步骤地对学生进行不同层次的美感和情操教育，最终落实为提高学生敏锐的审美知觉和美的创造力。第三，针对不同的专业，制定不同的教学计划及方法，对于某些以艺术创作为主的专业，要让他们经常走入社会，感受社会上艺术环境的变化，及时了解艺术的最新动态，并在创作上给他们足够宽松的创作环境，为其艺术创新提供外部条件的保障。为此，各高校美术教育专业，一定要加强自身的学科建设，按教学的规律制订相应的教学计划，尤其是要搞好师资队伍的建设，为学生学习创造有利的条件。
参考文献
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